Categoría: Espectáculos

El cantante y compositor Piero Antonio Franco de Benedictis, conocido artísticamente como Piero, murió a los 81 años, informó su cuenta oficial de Instagram. El artista, nacido en Italia en 1945 y radicado en Argentina desde los tres años, construyó durante seis décadas una trayectoria vinculada con la música de protesta, la trova, el folclore y el rock latinoamericano.

Entre sus canciones más reconocidas se encuentran “Mi viejo”, “Para el pueblo lo que es del pueblo” y “Llegando, llegaste”. Su tema “Mi viejo”, publicado en 1969, se convirtió en un clásico intergeneracional y, de acuerdo con la Fundación Konex, fue grabado en más de 500 versiones.

A comienzos de los años setenta, Piero estableció una colaboración con el poeta José Tcherkaski, con quien creó canciones de fuerte contenido social y político. En 1974 publicaron “Para el pueblo lo que es del pueblo”, una obra vinculada con las tensiones sociales y las dictaduras que atravesaba Argentina. Debido al contenido de sus canciones, Piero sufrió persecución y un intento de secuestro, por lo que se exilió en España en 1976 y regresó a Argentina en 1981.

Tras su retorno, publicó “Hombre común”, álbum dedicado a la vida cotidiana y a distintas problemáticas sociales. Su repertorio también incluyó música infantil, con piezas como “Sinfonía inconclusa en la mar”, que permaneció vigente durante generaciones.

Además de su actividad musical, Piero desarrolló una importante labor de activismo social. Dirigió la Fundación Buenas Ondas, dedicada a impulsar proyectos para niños en situación de vulnerabilidad y promover la defensa de los Derechos del Niño. Durante una visita a México en 1995 participó en una iniciativa latinoamericana para producir discos dedicados a ese tema.

El músico también mantuvo una relación cercana con Colombia, país que le concedió la ciudadanía en 1996 y donde desarrolló iniciativas relacionadas con la paz. A lo largo de su carrera ofreció cerca de 4 mil 200 conciertos y vendió más de 3 millones de discos.

Piero compartió escenarios con figuras como Mercedes Sosa, León Gieco y Fito Páez. En 2007 ingresó al Salón de la Fama del Latin Grammy por “Mi viejo” y en 2016 recibió el Premio a la Excelencia Musical. También manifestó solidaridad con los familiares de los 43 normalistas de Ayotzinapa.

Su muerte deja un legado que vinculó música, compromiso social y defensa de los derechos humanos.

La nueva adaptación de Carrie, desarrollada por Mike Flanagan, recupera la historia de la novela publicada por Stephen King en 1974 y la traslada a un contexto contemporáneo. La producción mantiene elementos esenciales como el aislamiento, el fanatismo religioso, el acoso escolar y los poderes sobrenaturales de la protagonista, pero incorpora una realidad que transforma la manera en que Carrie experimenta la humillación: las redes sociales.

El primer momento decisivo ocurre cuando Carrie White, interpretada por Summer H. Howell, tiene su primera menstruación. Debido al aislamiento en el que ha crecido bajo la influencia de su madre, Margaret White, Carrie no comprende lo que está sucediendo. Lo que debería ser una etapa natural de conocimiento del propio cuerpo se convierte en una experiencia de miedo y vergüenza cuando sus compañeras se burlan de ella y utilizan la situación para exhibirla públicamente.

Para Howell, uno de los principales temas de la serie es precisamente la necesidad de que las adolescentes reciban información y acompañamiento para comprender sus cuerpos. La actriz considera que Carrie representa a jóvenes a quienes no se les enseña desde temprana edad a reconocer su propia fuerza y plantea la importancia de apoyarlas en ese proceso.

La actualización más evidente respecto a la novela es el papel de la tecnología. Mientras que en la historia original la humillación ocurre principalmente frente a otros estudiantes, en la nueva versión puede ser grabada y difundida por internet. Josie Totah, quien interpreta a Chris Hargensen, considera que las redes sociales funcionan prácticamente como otro personaje, pues pueden utilizarse para conectar, pero también para ejercer poder, excluir y acosar.

La actriz Alison Thornton destaca además la presión que enfrentan los adolescentes para construir una identidad digital mientras todavía intentan descubrir quiénes son. En ese contexto, los “likes” pueden convertirse en una medida de popularidad y aceptación.

La historia también incorpora personajes que representan distintas respuestas ante el acoso. Tommy Ross intenta mirar a Carrie más allá de las etiquetas, mientras otros personajes quedan atrapados en las presiones del grupo. Los adultos, como la maestra Miss Desjardin y el director Grayle, deben decidir cómo responder ante las consecuencias del bullying.

Otro elemento central continúa siendo Margaret White, interpretada por Samantha Sloyan. Su miedo hacia aquello que considera una amenaza para su hija termina convirtiéndose en control, violencia y manipulación. De esta manera, Carrie aprende a temerle a su propio cuerpo y a su poder.

La nueva adaptación plantea así que el verdadero horror no reside únicamente en las capacidades sobrenaturales de Carrie, sino en la forma en que una comunidad puede tratar a una persona vulnerable. La historia utiliza la menstruación, el acoso y las redes sociales para explorar problemas contemporáneos relacionados con la adolescencia, la empatía y la crueldad.

Paramount Skydance completó la adquisición de Warner Bros. Discovery por 110 mil millones de dólares, en una operación que da origen a un nuevo gigante del entretenimiento y coloca al director ejecutivo David Ellison al frente de una de las compañías más grandes de Hollywood.

La operación integra los estudios responsables de franquicias como “Misión: Imposible”, “Harry Potter” y DC Studios, además de importantes medios y plataformas como CBS, CNN, Paramount+ y HBO Max. La nueva empresa tendrá presencia en sectores que abarcan el cine, la televisión, el streaming y la información.

Como parte de la operación, las acciones de la compañía fusionada comenzaron a cotizar en la Bolsa de Nueva York bajo el símbolo “SKYD”, después de dejar el Nasdaq.

La conclusión de la adquisición fue posible luego de que se alcanzaran acuerdos con un grupo de estados de Estados Unidos y con un sindicato de guionistas de Hollywood, lo que permitió superar los principales obstáculos legales que enfrentaba una de las mayores fusiones en la historia de los medios de comunicación.

La operación ocurre en un contexto complicado para la industria audiovisual. Hollywood enfrenta una reducción de las suscripciones a la televisión por cable, elevados costos para competir por audiencias en las plataformas de streaming y constantes negociaciones sindicales relacionadas con el empleo y los derechos de los trabajadores creativos.

Ellison explicó que se decidió conservar el nombre “Skydance” para mantener las identidades individuales de Paramount y Warner Bros., en lugar de sustituirlas por una nueva marca. Analistas citados en el texto consideraron que la denominación también refleja la creciente influencia de Ellison sobre algunas de las marcas más reconocidas de Hollywood.

En apenas 16 años, Skydance pasó de ser un estudio independiente a ocupar un papel central en la industria. La compañía fue fundada en 2010 por David Ellison, hijo del cofundador de Oracle, Larry Ellison, y ganó notoriedad como productora de “Top Gun: Maverick”.

Tras fusionarse con Paramount, Skydance dirigió su atención hacia Warner Bros., en una competencia por la adquisición que también involucró a Netflix y despertó el interés de otros posibles compradores, como Comcast.

Elton John ofreció en el Estadio Azteca su segundo y último concierto en México, marcado por la nostalgia, los grandes éxitos y una emotiva despedida después de más de 60 años de carrera. El cantante británico, de 79 años, apareció sentado frente a su piano, vestido de blanco y con lentes rosados, mientras una multitud lo recibía con una prolongada ovación.

El espectáculo tuvo un significado especial porque se realizó en el mismo recinto donde Elton John se presentó por primera vez en México, en noviembre de 1992. Desde el inicio, el artista agradeció al público mexicano y aseguró que lo había extrañado, antes de comenzar un recorrido musical por temas relacionados con el amor, la fama, la juventud, la libertad y la música.

Uno de los momentos de mayor conexión ocurrió durante Crocodile Rock, cuando Elton dejó que el público cantara parte de la canción. En las pantallas aparecieron imágenes relacionadas con México, entre ellas escenas de baile, charros, aficionados con la camiseta de la selección y jóvenes portando la bandera nacional.

Otro de los momentos más celebrados fue Rocket Man, interpretada mientras las pantallas mostraban imágenes de la Tierra desde el espacio. La canción provocó que miles de asistentes iluminaran el estadio con sus teléfonos. Para algunos espectadores, como Elizabeth Álvarez, el tema tuvo además un profundo significado personal relacionado con una experiencia de intento de suicidio y recuperación.

El concierto continuó con éxitos como Saturday Night’s Alright for Fighting, I’m Still Standing, Cold Heart y Have Mercy on the Criminal. Esta última también generó una escena emotiva entre el artista y un espectador que siguió la canción de pie.

Para seguidores como Bertha Álvarez, quien escucha a Elton desde su adolescencia, canciones como Candle in the Wind 1997 forman parte de una trayectoria musical que ha acompañado distintas generaciones.

Finalmente, Your Song marcó el cierre. Elton John se puso de pie junto al piano, saludó con ambas manos y abandonó el escenario entre aplausos. En ese instante, los fuegos artificiales iluminaron el cielo del Estadio Azteca y sellaron el adiós del músico británico al público mexicano.

Panteón Rococó llevó su característico sonido de ska y un mensaje de protesta al escenario de Tiny Desk Concert, la serie de presentaciones acústicas e íntimas de NPR Music en Washington. Durante aproximadamente 20 minutos, la agrupación mexicana interpretó algunos de sus temas más conocidos y aprovechó el espacio para visibilizar distintas causas sociales.

El vocalista Dr. Shenka, Luis Román Ibarra, apareció con una camiseta del Club Deportivo Palestino, cuyos colores son blanco, negro, rojo y verde, acompañada por una referencia al Bank of Palestine. Su vestimenta reforzó el mensaje político de la presentación y vinculó el concierto con la causa palestina.

Durante la actuación, el cantante dedicó unas palabras a las personas desaparecidas en México. Con una bandera mexicana colocada en uno de los estantes del espacio, expresó un mensaje de búsqueda y esperanza dirigido a quienes continúan desaparecidos y a sus familias.

La banda interpretó canciones como La carencia, Arréglame el alma, La dosis perfecta, 1993 y Cha cha love, entre otros éxitos. Aunque el formato de Tiny Desk suele caracterizarse por su ambiente reducido y acústico, la agrupación conservó parte de la energía que caracteriza sus presentaciones en vivo.

Los mensajes sociopolíticos también estuvieron presentes en la vestimenta de otros integrantes. Don Gorri utilizó una camiseta con la frase “Haz que los fascistas vuelvan a tener miedo”, mientras Monello portó otra con la consigna “Ningún ser humano es ilegal”.

La presentación rápidamente comenzó a circular en redes sociales, donde usuarios destacaron tanto la interpretación musical como los mensajes de resistencia expresados durante el concierto. De esta manera, Panteón Rococó convirtió el reducido espacio de NPR en un escenario para combinar música, identidad y posicionamientos sociales.

Los Tiny Desk Concerts son una serie de actuaciones grabadas en las oficinas de NPR Music, en Washington, que suelen presentar a artistas en formatos cercanos y diferentes a sus espectáculos habituales. En el caso de Panteón Rococó, el formato permitió trasladar su propuesta musical a un entorno íntimo sin abandonar los mensajes sociales que han acompañado a la agrupación a lo largo de su trayectoria.

El vocalista de Porter, David Velasco, explicó las razones por las que abandonó abruptamente el escenario durante un concierto de la banda en León, Guanajuato, luego de que inicialmente se atribuyera el incidente a problemas técnicos.

Durante la presentación se registraron varias pausas y dificultades, pero Velasco terminó dejando el escenario, lo que provocó abucheos entre los asistentes. Posteriormente, el guitarrista Fernando de la Huerta salió para explicar al público que el cantante no se encontraba bien y aseguró que la agrupación buscaría regresar a León para compensar la situación.

Días después, Velasco publicó un video en redes sociales en el que aseguró que los problemas técnicos no fueron la razón principal de su salida. El cantante afirmó que decidió terminar el concierto debido a los insultos y críticas que recibió de algunos asistentes.

Velasco señaló que desde su incorporación a Porter, hace aproximadamente 13 años y medio, ha enfrentado comparaciones constantes con Juan Son, vocalista original de la agrupación. De acuerdo con su testimonio, esta situación se ha presentado tanto durante conciertos como en redes sociales.

El músico explicó que llegó a sentirse rebasado por los comentarios y que su decisión de abandonar el escenario fue una manera de establecer un límite ante lo que considera una situación de hostigamiento. También reconoció que ha recibido mensajes positivos, aunque afirmó que las expresiones negativas han tenido un impacto importante en él.

Por su parte, Juan Son habló sobre el incidente durante una transmisión en vivo, sin conocer todavía las declaraciones de Velasco. El exvocalista comentó que entendía que pudiera resultar complicado para su sucesor interpretar canciones de la primera etapa de Porter y recordó algunas diferencias que él mismo tuvo con la banda.

Son también mencionó que en algún momento mantuvo una relación cordial con Velasco, aunque posteriormente se sintió traicionado por declaraciones en las que, según recordó, el actual cantante de Porter habría cuestionado su estado personal.

Hasta el momento, Porter no ha emitido una postura oficial sobre las declaraciones de Velasco. El cantante, sin embargo, aseguró que continuará cumpliendo con las fechas programadas de la agrupación, incluida la presentación del 2 de octubre en Morelia y la del día siguiente en Aguascalientes.

En Campeche, el k’óoben es el fogón tradicional maya formado por tres piedras colocadas en triángulo, sobre las que se ponen comales y ollas para cocinar. Considerado el corazón físico y espiritual del hogar, este elemento es el punto de partida de El fuego que nos une, primer cortometraje documental de la realizadora campechana Sac-nicté Guadalupe Novelo Berzunza.

El documental, de 29 minutos y actualmente en producción, fue seleccionado entre los 19 proyectos beneficiarios de la octava convocatoria del Estímulo para la Creación Audiovisual en México y Centroamérica para Comunidades Indígenas y Afrodescendientes (Ecamc), organizado por el Instituto Mexicano del Cine (Imcine).

La película sigue a tres cocineras: doña Lety, María Petrona Alvarado y Pascuala, mujeres de entre 54 y 60 años que viven en distintas comunidades de Campeche. De acuerdo con la directora, las tres fueron acercadas al trabajo de la cocina desde niñas debido a los roles sociales que las preparaban para convertirse en amas de casa. Aunque en distintos momentos intentaron alejarse del fuego, posteriormente regresaron a él por decisión propia y bajo nuevas circunstancias.

Novelo Berzunza explica que su documental no pretende centrarse en las recetas, sino en aquello que considera el “ingrediente secreto”: las manos y las historias de quienes preparan los alimentos. La cinta busca explorar cómo las mujeres han sostenido comunidades mediante la cocina y cómo este trabajo, además de ser una imposición social en determinados contextos, puede convertirse en una vía hacia la independencia económica.

La realizadora describe la película como una experiencia sensorial, en la que el espectador podrá escuchar el fuego, percibir el humo y observar las texturas de las manos mientras las protagonistas realizan sus actividades cotidianas. El rodaje se plantea desde el llamado cine directo, acompañando a las mujeres sin intervenir en sus rutinas.

El inicio de la filmación está previsto para el 31 de octubre, con un rodaje de 15 días. La fecha coincide con la víspera del Día de Muertos, debido a los simbolismos asociados con algunos alimentos tradicionales, como el pibipollo.

Además del documental, la directora desarrolla el proyecto Del fuego a la experiencia, con el propósito de que la película contribuya a difundir y fortalecer los emprendimientos de las cocineras.

La relación entre Motorama y el público mexicano comenzó mucho antes de que la banda rusa se convirtiera en un referente internacional del post-punk. En 2012, sus seguidores en México hicieron posible su primera visita al país mediante una iniciativa de financiamiento colectivo, demostrando que el interés por la agrupación podía convertirse en un concierto sin depender de grandes promotoras.

Originaria de Rostov del Don, Rusia, Motorama desarrolló desde sus primeros años un sonido caracterizado por guitarras melódicas, bajos marcados, sintetizadores y baterías que construyen atmósferas oscuras y frías. Esa propuesta encontró un público particularmente receptivo en México, donde la banda comenzó a ganar seguidores a través de MySpace y las recomendaciones entre aficionados.

Antes de la expansión de las redes sociales como fenómeno masivo, sus primeros EP, Horse y Bear, circularon entre seguidores que posteriormente ayudaron a ampliar su audiencia. Vladislav Parshin, vocalista, compositor y líder de Motorama, ha reconocido que la cercanía entre la agrupación y sus admiradores mexicanos continúa siendo difícil de explicar. En una entrevista con Time Out en 2025, planteó que quizá existen similitudes entre las emociones y energías de Rusia y México.

El primer concierto mexicano surgió gracias a Bandtastic, una plataforma creada por Luis López que utilizaba un modelo de crowdfunding para organizar presentaciones. Los propios usuarios proponían artistas y, cuando una banda reunía suficiente interés, se contactaba a sus representantes para calcular los costos y establecer una meta de recaudación.

Así ocurrió con Motorama. Los seguidores adquirieron boletos anticipadamente y, una vez alcanzada la cantidad necesaria, se confirmó su primera visita. La banda tocó el 19 de septiembre de 2012 en el Salón Púrpura de Guadalajara y el 21 de septiembre en el Caradura del entonces Distrito Federal. Un día después también participó en el Festival Antes.

Aquella primera experiencia marcó una relación que se mantuvo durante los años siguientes. Motorama regresó en distintas ocasiones y llegó a escenarios como el Teatro Metropólitan, recintos que, según testimonios de sus integrantes, reflejan una recepción especialmente intensa del público mexicano.

Ahora, 14 años después de su debut en México, la agrupación dará otro paso importante: se presentará por primera vez en el Auditorio Nacional el 1 de octubre de 2026. El concierto representa otro capítulo de una relación que comenzó cuando sus propios seguidores decidieron hacer realidad su llegada al país.

El cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu regresa a las salas con Digger, su octavo largometraje original, protagonizado por Tom Cruise y escrito junto con Sabina Berman, Alexander Dinelaris y Nicolás Giacobone. La película, que llegará próximamente a los cines nacionales, plantea una reflexión sobre el poder, la manipulación de la información, las redes sociales y la relación de la humanidad con el planeta.

Iñárritu explicó que la cinta está dirigida especialmente a las nuevas generaciones y que buscó transmitirles una especie de revancha a través de un personaje interpretado por Cruise, cuya figura pública, según el director, resulta particularmente significativa para el planteamiento de la historia.

Digger sigue al hombre más poderoso del mundo, quien emprende una misión para convencer a la humanidad de que puede salvarla antes de que las consecuencias de una catástrofe que él mismo provocó sean irreversibles. El director pidió no revelar demasiado sobre la trama para conservar el impacto de la historia.

Berman recordó que el proyecto comenzó hace nueve años y que, aunque atravesó diversas pausas, incluida la pandemia, ese tiempo permitió desarrollar una película con mayor complejidad. Para la escritora, la historia funciona como un recordatorio sobre el planeta que habitamos y las consecuencias de nuestras acciones.

Uno de los ejes de Digger es el poder del lenguaje. Iñárritu considera que las palabras pueden construir realidades, pero también manipularlas y modificar la percepción de las personas. La película aborda así la manera en que la ideología, los intereses comerciales y las redes sociales pueden influir en la construcción de una realidad colectiva.

Los realizadores también cuestionan la pérdida de individualidad en una época dominada por los teléfonos celulares y las redes sociales. Berman destaca que el cine ofrece una oportunidad para que los espectadores compartan durante unas horas una misma experiencia y puedan reconocerse en lo que observan.

Finalmente, ambos creadores relacionan la película con la crisis ambiental. Iñárritu plantea que llegará un momento en que las consecuencias físicas del calentamiento obligarán a la sociedad a reconocer una realidad que las discusiones y las pantallas pueden ocultar. Para Berman, el mensaje central consiste en retomar el rumbo como especie y distinguir entre la percepción y la realidad.

La presencia de Guillermo del Toro será uno de los principales atractivos de la 24ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), que se realizará del 16 al 25 de octubre de 2026 en Morelia. El director participará en una función de gala de El laberinto del fauno, como parte de las actividades por el 20 aniversario de la película.

El anuncio se realizó durante la presentación de la programación del festival, en la que Daniela Michel, directora general del FICM, destacó el papel que el encuentro ha desempeñado en la difusión y consolidación del cine mexicano. Señaló que Morelia se ha convertido en un espacio de encuentro para la cinematografía nacional y en un punto de acercamiento entre las películas, sus creadores y el público.

Cuauhtémoc Cárdenas Batel, vicepresidente del FICM, subrayó a su vez la importancia de la producción cinematográfica de Michoacán y del crecimiento del interés por realizar cine en el estado. También destacó que el festival contribuye a proyectar otros aspectos de la entidad, como su patrimonio cultural y su gastronomía.

La competencia oficial de esta edición estará integrada por 96 películas: ocho trabajos de la Sección Michoacana, 64 cortometrajes mexicanos, 12 documentales mexicanos y 12 largometrajes mexicanos. Entre estos últimos se encuentran Ceniza en la boca, de Diego Luna; Lo demás es ruido, de Nicolás Pereda; El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso; Los nuevos, de Rodrigo Plá, y Salón de belleza, de Nathalia Acevedo.

El jurado de Largometraje Mexicano estará encabezado por Juan Antonio Bayona e integrado también por Jaione Camborda, Gabriela Ortiz y Amy Redford. Las demás secciones contarán con especialistas y realizadores como Juan Carlos Rulfo, Jonathan Romney, Pedro Aguilera, Federico Luis, Iván Trujillo y Nicolás Echevarría.

Además de Del Toro, el programa contempla la participación de cineastas y figuras como James Gray, Carlos Reygadas, Andrea Pallaoro, Gael García Bernal y Demián Bichir, entre otros invitados especiales.